Pameranyang menampilkan karya seorang seniman saja disebut pameran a tungga l. Pameran yang menampilkan karya seorang seniman saja. School SMAN 1 Malang; Course Title PKN KELAS12; Uploaded By ChiefValor420. Pages 15 This preview shows page 5 - 7 out of 15 pages. "Awas Malam" - Rembrandt "Night Watch" oleh Rembrandt. Minyak di atas kanvas. Dalam koleksi Rijksmuseum di Amsterdam. Rijksmuseum / Amsterdam Lukisan "Night Watch" karya Rembrandt ada di Rijksmuseum di Amsterdam. Seperti yang ditunjukkan foto, itu adalah lukisan besar 363x437cm 143x172". Rembrandt menyelesaikannya pada tahun 1642. Judul aslinya adalah "Perusahaan Frans Banning Cocq dan Willem van Ruytenburch," tetapi lebih dikenal sebagai Night Watch . Sebuah perusahaan menjadi penjaga milisi. Komposisi lukisan itu sangat berbeda untuk periode itu. Alih-alih menampilkan sosok-sosok dengan rapi dan teratur, di mana setiap orang diberi keunggulan dan ruang yang sama di atas kanvas, Rembrandt melukis mereka sebagai kelompok yang sibuk beraksi. Sekitar tahun 1715 sebuah perisai dicat pada "Night Watch" yang berisi nama-nama 18 orang, tetapi hanya beberapa nama yang pernah diidentifikasi. Jadi, ingatlah jika Anda melukis potret kelompok gambarlah diagram di bagian belakang dengan nama semua orang sehingga generasi mendatang akan tahu! Pada bulan Maret 2009 sejarawan Belanda Bas Dudok van Heel akhirnya mengungkap misteri siapa yang ada di lukisan itu. Penelitiannya bahkan menemukan barang-barang pakaian dan aksesoris yang digambarkan dalam "Night Watch" yang disebutkan dalam inventaris perkebunan keluarga, yang kemudian dia susun dengan usia berbagai anggota milisi pada tahun 1642, tahun lukisan itu selesai. Dudok van Heel juga menemukan bahwa di aula tempat "Night Watch" Rembrandt pertama kali digantung, ada enam potret kelompok milisi yang awalnya ditampilkan dalam rangkaian yang berkesinambungan, bukan enam lukisan terpisah seperti yang telah lama diperkirakan. Sebaliknya, enam potret kelompok oleh Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart, dan Flinck membentuk dekorasi tak terputus yang masing-masing cocok satu sama lain dan dipasang di panel kayu ruangan. Atau, itu niatnya. "Night Watch" Rembrandt tidak cocok dengan lukisan lain baik dalam komposisi maupun warna. Tampaknya Rembrandt tidak mematuhi ketentuan komisinya. Tapi kemudian, jika dia punya, kita tidak akan pernah memiliki potret kelompok abad ke-17 yang sangat berbeda ini. "Kelinci" - Albrecht DĂŒrer Albrecht DĂŒrer, Hare, 1502. Cat air dan guas, kuas, ditinggikan dengan guas putih. Museum Albertina Biasa disebut kelinci DĂŒrer, judul resmi lukisan ini menyebutnya kelinci. Lukisan itu berada dalam koleksi permanen Koleksi Batliner Museum Albertina di Wina, Austria. Itu dicat menggunakan cat air dan guas, dengan highlight putih dilakukan di guas bukan putih yang tidak dicat kertas. Ini adalah contoh spektakuler bagaimana bulu bisa dicat. Untuk menirunya, pendekatan yang Anda ambil bergantung pada seberapa banyak kesabaran yang Anda miliki. Jika Anda memiliki jumlah yang sangat banyak, Anda akan melukis menggunakan kuas tipis, satu rambut pada satu waktu. Jika tidak, gunakan teknik sikat kering atau pisahkan rambut pada sikat. Kesabaran dan daya tahan sangat penting. Bekerja terlalu cepat pada cat basah, dan goresan individu berisiko tercampur. Jangan melanjutkan cukup lama dan bulunya akan terlihat tipis. Fresco Plafon Kapel Sistina - Michelangelo Dilihat secara keseluruhan, lukisan langit-langit Kapel Sistina luar biasa; terlalu banyak yang harus diambil dan tampaknya tidak terbayangkan bahwa lukisan itu dirancang oleh satu seniman. Franco Origlia / Getty Images Lukisan karya Michelangelo tentang langit-langit Kapel Sistina adalah salah satu lukisan dinding paling terkenal di dunia. Kapel Sistina adalah kapel besar di Istana Apostolik, kediaman resmi Paus pemimpin Gereja Katolik di Kota Vatikan. Ini memiliki banyak lukisan dinding yang dilukis di dalamnya, oleh beberapa nama terbesar dari Renaisans, termasuk lukisan dinding oleh Bernini dan Raphael, namun yang paling terkenal dengan lukisan dinding di langit-langit oleh Michelangelo. Michelangelo lahir pada 6 Maret 1475 dan meninggal pada 18 Februari 1564. Ditugaskan oleh Paus Julius II, Michelangelo mengerjakan langit-langit Kapel Sistina dari Mei 1508 hingga Oktober 1512 tidak ada pekerjaan yang dilakukan antara September 1510 dan Agustus 1511. Kapel itu diresmikan pada 1 November 1512, pada Hari Raya Semua Orang Kudus. Kapel ini memiliki panjang 40,23 meter, lebar 13,40 meter, dan langit-langitnya 20,70 meter di atas tanah pada titik tertingginya 1 . Michelangelo melukis serangkaian adegan Alkitab, nabi, dan nenek moyang Kristus, serta trompe l'oeil atau fitur arsitektur. Area utama langit-langit menggambarkan kisah-kisah dari kisah-kisah kitab Kejadian, termasuk penciptaan manusia, kejatuhan manusia dari kasih karunia, banjir, dan Nuh. Plafon Kapel Sistina Detail Penciptaan Adam mungkin merupakan panel paling terkenal di Kapel Sistina yang terkenal. Perhatikan bahwa komposisinya tidak berada di tengah. Fotopress / Getty Images Panel yang menunjukkan penciptaan manusia mungkin adalah pemandangan paling terkenal dalam lukisan dinding terkenal karya Michelangelo di langit-langit Kapel Sistina. Kapel Sistina di Vatikan memiliki banyak lukisan dinding di dalamnya, namun yang paling terkenal adalah lukisan dinding di langit-langit karya Michelangelo. Restorasi ekstensif dilakukan antara tahun 1980 dan 1994 oleh para ahli seni Vatikan, menghilangkan asap selama berabad-abad dari lilin dan pekerjaan restorasi sebelumnya. Ini mengungkapkan warna yang jauh lebih cerah dari yang diperkirakan sebelumnya. Pigmen yang digunakan Michelangelo termasuk oker untuk merah dan kuning, silikat besi untuk hijau, lapis lazuli untuk biru, dan arang untuk hitam. 1 Tidak semuanya dicat sedetail saat pertama kali muncul. Misalnya figur di latar depan dicat lebih detail daripada di latar belakang, menambah kesan kedalaman di langit-langit. Lebih lanjut tentang Kapel Sistina ‱ Museum Vatikan Kapel Sistina ‱ Tur Virtual Kapel Sistina Sumber 1 Museum Vatikan Kapel Sistina, situs web Negara Kota Vatikan, diakses 9 September 2010. Buku Catatan Leonardo da Vinci Buku catatan kecil karya Leonardo da Vinci secara resmi diidentifikasi sebagai Codex Forster III ini berada di Museum V&A di London. Marion Boddy-Evans / Berlisensi ke Inc. Seniman Renaisans Leonardo da Vinci terkenal tidak hanya karena lukisannya tetapi juga buku catatannya. Foto ini menunjukkan salah satunya di V&A Museum di London. Museum V&A di London memiliki lima buku catatan Leonardo da Vinci dalam koleksinya. Yang satu ini, dikenal sebagai Codex Forster III, digunakan oleh Leonardo da Vinci antara tahun 1490 dan 1493 ketika dia bekerja di Milan untuk Duke Ludovico Sforza. Ini adalah buku catatan kecil, jenis ukuran yang dapat Anda simpan dengan mudah di saku mantel. Itu diisi dengan segala macam ide, catatan, dan sketsa, termasuk "sketsa kaki kuda, gambar topi dan pakaian yang mungkin merupakan ide untuk kostum di pesta dansa, dan penjelasan tentang anatomi kepala manusia." 1 Meskipun Anda tidak dapat membalik halaman buku catatan di museum, Anda dapat membukanya secara online. Membaca tulisan tangannya tidak mudah, antara gaya kaligrafi dan penggunaan tulisan cermin mundur, dari kanan ke kiri tetapi beberapa orang merasa menarik untuk melihat bagaimana dia menempatkan segala macam ke dalam satu buku catatan. Ini adalah buku catatan yang berfungsi, bukan barang pameran. Jika Anda pernah khawatir bahwa jurnal kreativitas Anda entah bagaimana tidak dilakukan atau diatur dengan benar, ambil petunjuk dari master ini lakukan sesuai kebutuhan. Sumber 1. Jelajahi Kodeks Forster, Museum V&A. Diakses 8 Agustus 2010. "Monalisa" - Leonardo da Vinci "Mona Lisa" oleh Leonardo da Vinci. Dicat Cat minyak pada kayu. Ukuran 30x20" 77x53cm. Lukisan terkenal ini sekarang menjadi koleksi Louvre di Paris. Stuart Gregory / Getty Images Lukisan "Mona Lisa" Leonardo da Vinci , di Louvre di Paris, bisa dibilang lukisan paling terkenal di dunia. Ini mungkin juga merupakan contoh sfumato yang paling terkenal , teknik melukis yang sebagian bertanggung jawab atas senyum misteriusnya. Ada banyak spekulasi tentang siapa wanita dalam lukisan itu. Diperkirakan itu adalah potret Lisa Gherardini, istri seorang pedagang kain Florentine bernama Francesco del Giocondo. Penulis seni abad ke-16 Vasari termasuk yang pertama menyarankan hal ini, dalam "Lives of the Artists" -nya. Ada juga alasan mengapa dia tersenyum karena dia hamil. Sejarawan seni tahu Leonardo telah memulai "Mona Lisa" pada tahun 1503, sebagai catatan itu dibuat pada tahun itu oleh seorang pejabat senior Florentine, Agostino Vespucci. Ketika dia selesai, itu kurang pasti. Louvre awalnya memberi tanggal lukisan itu pada tahun 1503-06, tetapi penemuan yang dibuat pada tahun 2012 menunjukkan bahwa itu mungkin satu dekade kemudian sebelum lukisan itu selesai berdasarkan latar belakang yang didasarkan pada gambar batu yang diketahui telah dia lakukan pada tahun 1510. -15. 1 Louvre mengubah tanggal menjadi 1503-19 pada Maret 2012. Sumber 1. Mona Lisa bisa saja selesai satu dekade lebih lambat dari yang diperkirakan di The Art Newspaper, oleh Martin Bailey, 7 Maret 2012 diakses 10 Maret 2012 Pelukis Terkenal Monet di Giverny Monet duduk di sebelah kolam teratai di tamannya di Giverny di Prancis. Arsip Hulton / Getty Images Foto Referensi untuk Lukisan "Taman di Giverny" karya Monet. Sebagian alasan pelukis impresionis Claude Monet begitu terkenal adalah lukisannya tentang pantulan di kolam bunga bakung yang ia buat di taman besarnya di Giverny. Itu menginspirasi selama bertahun-tahun, sampai akhir hayatnya. Dia membuat sketsa ide untuk lukisan yang terinspirasi oleh kolam, dan dia menciptakan lukisan kecil dan besar baik sebagai karya individu maupun seri. Tanda Tangan Claude Monet Tanda tangan Claude Monet pada lukisan Nympheas 1904 miliknya. Bruno Vincent / Getty Images Contoh bagaimana Monet menandatangani lukisannya adalah dari salah satu lukisan teratainya. Anda dapat melihat dia menandatanganinya dengan nama dan nama keluarga Claude Monet dan tahun 1904. Letaknya di pojok kanan bawah, cukup jauh sehingga tidak akan terpotong oleh bingkai. Nama lengkap Monet adalah Claude Oscar Monet. "Kesan Matahari Terbit" - Monet "Impression Sunrise" oleh Monet 1872. Minyak di atas kanvas. Kira-kira 18x25 inci atau 48x63cm. Saat ini di MusĂ©e Marmottan Monet di Paris. Buyenlarge / Getty Images Lukisan karya Monet ini memberi nama pada gaya seni impresionis . Dia memamerkannya pada tahun 1874 di Paris dalam apa yang kemudian dikenal sebagai Pameran Impresionis Pertama. Dalam ulasannya tentang pameran yang ia beri judul "Pameran Impresionis," kritikus seni Louis Leroy mengatakan " Wallpaper dalam keadaan embrionya lebih selesai dari pemandangan laut itu ." Sumber 1. "L'Exposition des Impressionnistes" oleh Louis Leroy, Le Charivari , 25 April 1874, Paris. Diterjemahkan oleh John Rewald dalam The History of Impressionism , Moma, 1946, p256-61; dikutip dalam Salon to Biennial Exhibitions that Made Art History oleh Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43. Seri "tumpukan jerami" - Monet Koleksi lukisan terkenal untuk menginspirasi Anda dan memperluas pengetahuan seni Anda. Mysticchildz / Nadia / Flickr Monet sering melukis serangkaian subjek yang sama untuk menangkap efek cahaya yang berubah, menukar kanvas seiring berjalannya hari. Monet melukis banyak subjek lagi dan lagi, tetapi setiap lukisan serinya berbeda, apakah itu lukisan teratai atau tumpukan jerami. Karena lukisan-lukisan Monet tersebar dalam koleksi di seluruh dunia, biasanya hanya dalam pameran-pameran khusus lukisan-lukisan serinya dilihat sebagai satu kelompok. Untungnya, Institut Seni di Chicago memiliki beberapa lukisan tumpukan jerami Monet dalam koleksinya, karena mereka membuat tampilan yang mengesankan bersama-sama Tumpukan Gandum Mencair, Matahari Terbenam Matahari terbenam, Efek Salju Efek Salju, Hari Mendung Akhir musim panas Pada Oktober 1890, Monet menulis surat kepada kritikus seni Gustave Geffroy tentang rangkaian tumpukan jerami yang sedang ia lukis, dengan mengatakan "Saya keras dalam hal itu, bekerja keras pada serangkaian efek yang berbeda, tetapi pada saat ini tahun matahari terbenam begitu cepat sehingga tidak mungkin untuk mengikutinya ... semakin jauh saya mendapatkan, semakin saya melihat bahwa a banyak pekerjaan yang harus dilakukan untuk membuat apa yang saya cari 'instantaneity', 'amplop' di atas segalanya, cahaya yang sama menyebar ke segala sesuatu ... Saya semakin terobsesi dengan kebutuhan untuk membuat apa yang saya pengalaman, dan saya berdoa agar saya memiliki beberapa tahun lagi yang baik untuk saya karena saya pikir saya dapat membuat beberapa kemajuan ke arah itu ... " 1 Sumber 1 . Monet sendiri , hal 172, diedit oleh Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989. "Lili Air" - Claude Monet Galeri Lukisan Terkenal oleh Seniman Terkenal. Foto © davebluedevil Creative Commons Beberapa Hak Dilindungi Undang-undang Claude Monet , "Lili Air," c. 19140-17, minyak di atas kanvas. Ukuran 65 3/8 x 56 inci x cm. Dalam koleksi Museum Seni Rupa San Francisco . Monet mungkin adalah yang paling terkenal dari kaum Impresionis, terutama untuk lukisannya tentang refleksi di kolam teratai di taman Giverny-nya. Lukisan khusus ini menunjukkan sedikit awan di sudut kanan atas, dan birunya langit yang berbintik-bintik seperti yang tercermin dalam air. Jika Anda mempelajari foto-foto taman Monet, seperti kolam bunga bakung Monet ini dan bunga lili yang satu ini, dan membandingkannya dengan lukisan ini, Anda akan merasakan bagaimana Monet mengurangi detail dalam karya seninya, termasuk hanya esensi dari pemandangan, atau kesan pantulan, air, dan bunga lily. Klik tautan "Lihat ukuran penuh" di bawah foto di atas untuk versi yang lebih besar di mana lebih mudah untuk merasakan sapuan kuas Monet. Penyair Perancis Paul Claudel berkata "Berkat air, [Monet] telah menjadi pelukis dari apa yang tidak dapat kita lihat. Dia membahas permukaan spiritual tak kasat mata yang memisahkan cahaya dari refleksi. Air biru yang menawan dari cairan biru ... Warna muncul dari dasar air di awan, di pusaran air." Sumber Halaman 262 Art of Our Century, oleh Jean-Louis Ferrier dan Yann Le Pichon Tanda Tangan Camille Pissarro Tanda tangan seniman Impresionis Camille Pissarro pada lukisannya tahun 1870 "Lanskap di Sekitar Louveciennes Musim Gugur". Ian Waldie / Getty Images Pelukis Camille Pissarro cenderung kurang dikenal daripada banyak orang sezamannya seperti Monet tetapi memiliki tempat yang unik dalam garis waktu seni. Dia bekerja sebagai seorang Impresionis dan Neo-Impresionis, serta mempengaruhi artis terkenal seperti CĂ©zanne, Van Gogh, dan Gauguin. Dia adalah satu-satunya seniman yang berpameran di delapan pameran Impresionis di Paris dari tahun 1874 hingga 1886. Potret Diri Van Gogh 1886/1887 Potret Diri oleh Vincent van Gogh 1886/1887. minyak di papan artis, dipasang di panel. Dalam koleksi Institut Seni Chicago. Jimcchou / Flickr Potret karya Vincent van Gogh ini ada dalam koleksi Institut Seni Chicago. Itu dicat menggunakan gaya yang mirip dengan Pointillism tetapi tidak hanya menempel pada titik saja. Dalam dua tahun ia tinggal di Paris, dari tahun 1886 hingga 1888, Van Gogh melukis 24 potret diri. Institut Seni Chicago menggambarkan yang satu ini menggunakan "teknik titik" Seurat bukan sebagai metode ilmiah, tetapi "bahasa emosional yang intens" di mana "titik merah dan hijau mengganggu dan benar-benar sesuai dengan ketegangan saraf yang terlihat dalam karya van Gogh. tatapan." Dalam sebuah surat beberapa tahun kemudian kepada saudara perempuannya, Wilhelmina, Van Gogh menulis "Saya melukis dua gambar diri saya akhir-akhir ini, salah satunya memiliki karakter yang sebenarnya, saya pikir, meskipun di Belanda mereka mungkin akan mencemooh gagasan tentang lukisan potret yang sedang berkembang di sini. ... Saya selalu berpikir foto-foto itu menjijikkan, dan saya tidak suka memiliki mereka di sekitar, terutama bukan orang-orang yang saya kenal dan cintai .... potret fotografis lebih cepat layu daripada kita sendiri, sedangkan potret yang dilukis adalah sesuatu yang dirasakan, dilakukan dengan cinta atau rasa hormat terhadap manusia yang digambarkan.” Sumber Surat kepada Wilhelmina van Gogh, 19 September 1889 Tanda Tangan Vincent van Gogh "Kafe Malam" oleh Vincent van Gogh 1888. Teresa Veramendi / Vincent's Yellow The Night Cafe oleh Van Gogh sekarang menjadi koleksi Galeri Seni Universitas Yale. Diketahui bahwa Van Gogh hanya menandatangani lukisan-lukisan yang membuatnya sangat puas, tetapi yang tidak biasa dalam kasus lukisan ini adalah ia menambahkan sebuah judul di bawah tanda tangannya, "Le cafĂ© de Nuit." Perhatikan Van Gogh menandatangani lukisannya hanya "Vincent," bukan "Vincent van Gogh" atau "Van Gogh." Dalam sebuah surat kepada saudaranya Theo, yang ditulis pada 24 Maret 1888, dia berkata "Di masa depan nama saya harus dimasukkan ke dalam katalog seperti yang saya tandatangani di atas kanvas, yaitu Vincent dan bukan Van Gogh, karena alasan sederhana bahwa mereka tidak tahu bagaimana mengucapkan nama terakhir di sini." "Ini" adalah Arles, di selatan Prancis. Jika Anda bertanya-tanya bagaimana Anda mengucapkan Van Gogh, ingatlah bahwa itu adalah nama belakang Belanda, bukan Prancis atau Inggris. Jadi "Gogh" diucapkan, sehingga berima dengan "loch" Skotlandia. Ini bukan "goff" atau "pergi". Malam Berbintang - Vincent van Gogh Malam Berbintang oleh Vincent van Gogh 1889. Minyak di atas kanvas, 29x36 1/4" cm. Dalam koleksi Moma, New York. Jean-Francois Richard Lukisan ini, yang mungkin merupakan lukisan paling terkenal karya Vincent van Gogh, berada dalam koleksi di Museum of Modern Art di New York. Van Gogh melukis The Starry Night pada bulan Juni 1889, setelah menyebutkan bintang pagi dalam sebuah surat kepada saudaranya Theo yang ditulis sekitar tanggal 2 Juni 1889 "Pagi ini saya melihat negara dari jendela saya jauh sebelum matahari terbit, dengan apa-apa kecuali bintang pagi, yang terlihat sangat besar." Bintang pagi sebenarnya planet Venus, bukan bintang umumnya dianggap sebagai bintang putih besar yang dicat di sebelah kiri tengah lukisan. Surat-surat Van Gogh sebelumnya juga menyebutkan bintang dan langit malam, dan keinginannya untuk melukisnya 1. "Kapan saya bisa berkeliling untuk melakukan langit berbintang, gambaran yang selalu ada di pikiran saya?" Surat kepada Emile Bernard, Juni 1888 2. "Mengenai langit berbintang, saya terus berharap banyak untuk melukisnya, dan mungkin suatu hari nanti saya akan melakukannya" Surat kepada Theo van Gogh, September 1888. 3. "Saat ini saya benar-benar ingin melukis langit berbintang. Sering kali bagi saya malam tampak lebih kaya warna daripada siang hari; memiliki rona violet, biru, dan hijau yang paling intens. Kalau saja Anda memperhatikannya Anda akan melihat bahwa bintang-bintang tertentu berwarna kuning lemon, yang lain berwarna merah muda atau hijau, biru dan kecemerlangan forget-me-not. ... jelas bahwa menempatkan titik-titik putih kecil pada biru-hitam tidak cukup untuk melukis langit berbintang ." Surat untuk Wilhelmina van Gogh, 16 September 1888 Restoran de la Sirene, di Asnieres - Vincent van Gogh "Restoran de la Sirene, di Asnieres" oleh Vincent van Gogh. Marion Boddy-Evans 2007 / Berlisensi ke Inc. Lukisan karya Vincent van Gogh ini berada dalam koleksi Museum Ashmolean di Oxford, Inggris. Van Gogh melukisnya segera setelah ia tiba di Paris pada tahun 1887 untuk tinggal bersama saudaranya Theo di Montmartre, tempat Theo mengelola sebuah galeri seni. Untuk pertama kalinya, Vincent mengenal lukisan-lukisan kaum Impresionis khususnya Monet dan bertemu dengan seniman seperti Gauguin , Toulouse-Lautrec, Emile Bernard, dan Pissarro. Dibandingkan dengan karyanya sebelumnya yang didominasi oleh warna dark earth khas pelukis Eropa utara seperti Rembrandt, lukisan ini menunjukkan pengaruh para seniman tersebut terhadap yang dia gunakan menjadi terang dan cerah, dan sapuan kuasnya menjadi lebih longgar dan lebih jelas. Lihat detail dari lukisan ini, dan Anda akan melihat bagaimana dia menggunakan sapuan kecil warna murni, dipisahkan. Dia tidak memadukan warna di kanvas tetapi membiarkan ini terjadi di mata pemirsa. Dia mencoba pendekatan warna yang rusak dari Impresionis. Dibandingkan dengan lukisan-lukisannya yang belakangan, garis-garis warna diberi jarak, dengan latar belakang netral yang terlihat di antara mereka. Dia belum menutupi seluruh kanvas dengan warna jenuh, atau mengeksploitasi kemungkinan menggunakan kuas untuk menciptakan tekstur pada cat itu sendiri. Restoran de la Sirene, di Asnieres oleh Vincent van Gogh Rincian Detail dari "The Restaurant de la Sirene, at Asnieres" oleh Vincent van Gogh minyak di atas kanvas, Museum Ashmolean. Marion Boddy-Evans 2007 / Berlisensi ke Inc. Detail dari lukisan Van Gogh The Restaurant de la Sirene, di Asnieres dalam koleksi Museum Ashmolean, menunjukkan bagaimana ia bereksperimen dengan sapuan kuas dan tanda kuasnya setelah terpapar lukisan-lukisan Impresionis dan seniman Paris kontemporer lainnya. "Empat Penari" - Edgar Degas Mike dan Kim / Flickr Edgar Degas, Empat Penari, c. 1899. Minyak di atas kanvas. Ukuran 59 1/2 x 71 inci 151,1 x 180,2 cm. Di Galeri Seni Nasional , Washington. "Potret Ibu Artis" - Whistler "Arrangement in Gray and Black No. 1, Portrait of the Artist's Mother" oleh James Abbott McNeill Whistler 1834-1903. 1871. cm. Minyak di atas kanvas. Dalam koleksi Musee d'Orsay, Paris. Bill Pugliano / Getty Images / Musee d'Orsay / Paris / Prancis Ini mungkin lukisan Whistler yang paling terkenal. Judul lengkapnya adalah "Arrangement in Grey and Black No. 1, Portrait of the Artist's Mother". Ibunya setuju untuk berpose untuk lukisan itu ketika model yang digunakan Whistler jatuh sakit. Dia awalnya memintanya untuk berpose berdiri, tetapi seperti yang Anda lihat, dia menyerah dan membiarkannya duduk. Di dinding ada ukiran oleh Whistler, "Black Lion Wharf." Jika Anda perhatikan dengan cermat pada tirai di kiri atas bingkai lukisan, Anda akan melihat noda yang lebih terang, itulah simbol kupu-kupu yang digunakan Whistler untuk menandatangani lukisannya. Simbol itu tidak selalu sama, tetapi berubah, dan bentuknya digunakan untuk memberi tanggal pada karya seninya. Diketahui dia mulai menggunakannya pada tahun 1869. "Harapan II" - Gustav Klimt "Harapan II" - Gustav Klimt. Jessica Jeanne / Flickr "Siapa pun yang ingin mengetahui sesuatu tentang saya - sebagai seorang seniman, satu-satunya hal yang penting - harus melihat dengan cermat gambar-gambar saya dan mencoba melihat di dalamnya siapa saya dan apa yang ingin saya lakukan." Klimt Gustav Klimt melukis Hope II di atas kanvas pada tahun 1907/8 dengan menggunakan cat minyak, emas, dan platina. Ukurannya 43, 110,5 x 110,5 cm. Lukisan itu adalah bagian dari koleksi Museum of Modern Art di New York. Hope II adalah contoh indah penggunaan daun emas Klimt dalam lukisan dan ornamennya yang kaya. Lihat bagaimana dia melukis pakaian yang dikenakan oleh tokoh utama, bagaimana bentuk abstrak dihiasi dengan lingkaran namun kita masih 'membacanya' sebagai jubah atau gaun. Bagaimana di bagian bawah menyatu dengan tiga wajah lainnya . biografi bergambarnya tentang Klimt, kritikus seni Frank Whitford berkata Klimt "mengaplikasikan daun emas dan perak asli untuk lebih meningkatkan kesan bahwa lukisan itu adalah benda berharga, bukan cermin di mana alam dapat dilihat sekilas tetapi artefak yang dibuat dengan hati-hati." 2 Itu adalah simbolisme yang masih dianggap valid saat ini mengingat emas masih dianggap sebagai komoditas yang berharga. Klimt tinggal di Wina di Austria dan mendapat inspirasi lebih banyak dari Timur daripada Barat, dari "sumber-sumber seperti seni Bizantium, pengerjaan logam Mycenean, permadani dan miniatur Persia, mosaik gereja Ravenna, dan layar Jepang." 3 Sumber 1. Artis dalam Konteks Gustav Klimt oleh Frank Whitford Collins & Brown, London, 1993, sampul belakang. 2. Ibid. 3. Sorotan MoMA Museum Seni Modern, New York, 2004, hlm. 54 Tanda Tangan Picasso Tanda tangan Picasso pada lukisannya tahun 1903 "Potret Malaikat Fernandez de Soto" atau "Peminum Absinthe". Oli Scarff / Getty Images Ini adalah tanda tangan Picasso pada lukisannya tahun 1903 dari Periode Birunya berjudul "The Absinthe Drinker." Picasso bereksperimen dengan berbagai versi singkat dari namanya sebagai tanda tangan lukisannya, termasuk inisial yang dilingkari, sebelum menetapkan "Pablo Picasso." Hari ini kita biasanya mendengar dia disebut hanya sebagai "Picasso." Nama lengkapnya adalah Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso 1. Sumber 1. "A Sum of Destructions Picasso's Cultures and the Creation" Kubisme," oleh Natasha Staller. Pers Universitas Yale. halaman "Peminum Absinth" - Picasso Lukisan Picasso tahun 1903 "Potret Malaikat Fernandez de Soto" atau "Peminum Absinthe". Oli Scarff / Getty Images Lukisan ini dibuat oleh Picasso pada tahun 1903, selama Periode Birunya masa ketika warna biru mendominasi lukisan Picasso; ketika dia berusia dua puluhan. Ini menampilkan seniman Angel Fernandez de Soto, yang lebih antusias berpesta dan minum daripada lukisannya 1 , dan yang berbagi studio dengan Picasso di Barcelona pada dua kesempatan. Lukisan itu dilelang pada Juni 2010 oleh Yayasan Andrew Lloyd Webber setelah penyelesaian di luar pengadilan dicapai di AS atas kepemilikan, menyusul klaim oleh keturunan bankir Jerman-Yahudi Paul von Mendelssohn-Bartholdy bahwa lukisan itu berada di bawah tekanan pada 1930-an selama rezim Nazi di Jerman. Sumber 1. Siaran pers rumah lelang Christie, "Christie's to Offer Picasso Masterpiece," 17 Maret 2010. "Tragedi" - Picasso "Tragedi" - Picasso. Mike dan Kim / Flickr Pablo Picasso, Tragedi, 1903. Minyak di atas kayu. Ukuran 41 7/16 x 27 3/16 inci 105,3 x 69 cm. Di Galeri Seni Nasional , Washington. Dari Periode Birunya, ketika lukisannya, seperti namanya, semuanya didominasi oleh warna biru. Sketsa oleh Picasso untuk Lukisan "Guernica"-nya yang Terkenal Sketsa Picasso untuk lukisannya "Guernica.". Gambar Gotor / Sampul / Getty Saat merencanakan dan mengerjakan lukisan besarnya Guernica, Picasso melakukan banyak sketsa dan studi. Foto menunjukkan salah satu sketsa komposisinya , yang dengan sendirinya tidak terlihat seperti banyak, kumpulan garis coretan. Alih-alih mencoba menguraikan apa saja berbagai hal itu dan di mana letaknya dalam lukisan terakhir, anggap itu sebagai steno Picasso. Membuat tanda sederhana untuk gambar yang dia pegang di benaknya. Fokus pada bagaimana dia menggunakan ini untuk memutuskan di mana menempatkan elemen dalam lukisan, pada interaksi antara elemen-elemen ini. "Guernica" - Picasso "Guernica" - Picasso. Bruce Bennett / Getty Images Lukisan terkenal karya Picasso ini sangat besar tinggi 11 kaki 6 inci dan lebar 25 kaki 8 inci 3,5 x 7,76 meter. Picasso melukisnya atas komisi untuk Paviliun Spanyol di Pameran Dunia 1937 di Paris. Itu di Museo Reina Sofia di Madrid, Spanyol. "Potret Tuan Minguell" - Picasso "Potret Tuan Minguell" oleh Pablo Picasso 1901. Cat minyak di atas kertas diletakkan di atas kanvas. Ukuran 20 1/2 x 12 3/8 inci. Oli Scarff / Getty Images Picasso melakukan lukisan potret ini pada tahun 1901 ketika dia berusia 20 tahun. Subjeknya adalah seorang penjahit Catalan, Mr. Minguell, yang diyakini telah diperkenalkan oleh Picasso oleh pedagang seni dan temannya Pedro Manach 1 . Gaya tersebut menunjukkan pelatihan yang dimiliki Picasso dalam melukis tradisional, dan sejauh mana gaya melukisnya berkembang selama karirnya. Itu dilukis di atas kertas adalah tanda bahwa itu dilakukan pada saat Picasso bangkrut, belum menghasilkan cukup uang dari seninya untuk melukis di atas kanvas. Picasso memberi Minguell lukisan itu sebagai hadiah, tetapi kemudian membelinya kembali dan masih menyimpannya saat dia meninggal pada tahun 1973. Lukisan itu diletakkan di atas kanvas dan kemungkinan juga dipulihkan di bawah bimbingan Picasso " beberapa waktu sebelum 1969" 2 , ketika difoto untuk a buku oleh Christian Zervos di Picasso. Lain kali Anda berada di salah satu argumen pesta makan malam tentang bagaimana semua pelukis non-realis hanya melukis abstrak , cubist, fauvist, impresionis, pilih gaya Anda karena mereka tidak dapat membuat "lukisan nyata", tanyakan kepada orang tersebut apakah mereka menempatkan Picasso dalam kategori ini sebagian besar melakukannya, kemudian menyebutkan lukisan ini. Sumber 1 & 2. Bonhams Sale 17802 Detil Lot Impressionist and Modern Art Sale 22 Juni 2010. Diakses 3 Juni 2010. "Dora Maar" atau "TĂȘte De Femme" - Picasso "Dora Maar" atau "TĂȘte De Femme" - Picasso. Peter Macdiarmid / Getty Images Ketika dijual di lelang pada bulan Juni 2008, lukisan karya Picasso ini terjual seharga ÂŁ US$ Perkiraan lelang adalah tiga sampai lima juta pound. Les Demoiselles d'Avignon - Picasso Les Demoiselles d'Avignon oleh Pablo Picasso, 1907. Minyak di atas kanvas, 8 x7' 8" 244 x 234 cm. Museum Seni Modern Moma New York. Davina DeVries / Flickr Lukisan besar ini hampir delapan kaki persegi oleh Picasso digembar-gemborkan sebagai salah satu karya seni modern paling penting yang pernah dibuat, jika bukan yang paling penting, lukisan penting dalam perkembangan seni modern. Lukisan itu menggambarkan lima wanita - pelacur di rumah bordil - tetapi ada banyak perdebatan tentang apa arti semua itu dan semua referensi dan pengaruh di dalamnya. Kritikus seni Jonathan Jones 1 mengatakan "Apa yang mengejutkan Picasso tentang topeng Afrika [terlihat di wajah tokoh-tokoh di sebelah kanan] adalah hal yang paling jelas bahwa mereka menyamarkan Anda, mengubah Anda menjadi sesuatu yang lain - binatang, setan, dewa. Modernisme adalah seni yang memakai topeng. Itu tidak mengatakan apa artinya; itu bukan jendela tetapi dinding. Picasso memilih subjeknya justru karena itu klise dia ingin menunjukkan bahwa orisinalitas dalam seni tidak terletak pada narasi, atau moralitas, tetapi dalam penemuan formal. Inilah mengapa keliru melihat Les Demoiselles d'Avignon sebagai lukisan 'tentang' rumah bordil, pelacur, atau kolonialisme." Sumber 1. Pablo's Punks oleh Jonathan Jones, The Guardian , 9 Januari 2007. "Wanita dengan Gitar" - Georges Braque "Wanita dengan Gitar" - Georges Braque. Independentman / Flickr Georges Braque, Wanita dengan Gitar , 1913. Minyak dan arang di atas kanvas. 51 1/4 x 28 3/4 inci 130 x 73 cm. Di Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris. Studio Merah - Henri Matisse Studio Merah - Henri Matisse. Liane / Lil'bear / Flickr Lukisan ini ada dalam koleksi Museum of Modern Art Moma di New York. Ini menunjukkan interior studio lukisan Matisse, dengan perspektif datar atau bidang gambar tunggal. Dinding studionya sebenarnya tidak merah, melainkan putih; dia menggunakan warna merah dalam lukisannya untuk efek. Dipajang di studionya adalah berbagai karya seni dan perabot studionya. Garis-garis besar furnitur di studionya adalah garis-garis pada cat yang menunjukkan warna dari lapisan bawah, kuning dan biru, tidak dicat di atas warna merah. 1. "Garis miring menunjukkan kedalaman, dan cahaya biru-hijau dari jendela mengintensifkan rasa ruang interior, tetapi hamparan merah meratakan gambar. Matisse meningkatkan efek ini dengan, misalnya, menghilangkan garis vertikal sudut ruangan." - Sorotan MoMA, diterbitkan oleh Moma, 2004, halaman 77. 2. "Semua elemen... menenggelamkan identitas individu mereka dalam apa yang menjadi meditasi berkepanjangan pada seni dan kehidupan, ruang, waktu, persepsi, dan sifat realitas itu sendiri... persimpangan jalan bagi lukisan Barat, di mana lukisan klasik berwawasan ke luar. , sebagian besar seni representasi masa lalu bertemu dengan etos sementara, terinternalisasi, dan referensi diri di masa depan..." - Hilary Spurling, , halaman 81. Tarian - Henri Matisse Galeri Lukisan Terkenal oleh Seniman Terkenal "The Dance" oleh Henri Matisse atas dan sketsa minyak yang dia buat untuk itu bawah. Foto © Cate Gillon atas dan Sean Gallup bawah / Getty Images Foto teratas menunjukkan lukisan Matisse berjudul The Dance , selesai pada tahun 1910 dan sekarang berada di State Hermitage Museum di St Petersburg, Rusia. Foto bawah menunjukkan studi komposisi ukuran penuh yang dia buat untuk lukisan itu, sekarang di MOMA di New York, AS. Matisse melukisnya atas komisi dari kolektor seni Rusia Sergei Shchukin. Ini adalah lukisan besar, lebar hampir empat meter dan tinggi dua setengah meter 12' 9 1/2" x 8' 6 1/2", dan dilukis dengan palet terbatas pada tiga warna merah , hijau, dan biru. Saya pikir itu adalah lukisan yang menunjukkan mengapa Matisse memiliki reputasi sebagai seorang pewarna, terutama ketika Anda membandingkan studi dengan lukisan terakhir dengan sosoknya yang bersinar. Dalam biografinya tentang Matisse di halaman 30, Hilary Spurling mengatakan "Mereka yang melihat Dance versi pertama menggambarkannya sebagai pucat, halus, bahkan seperti mimpi, dicat dengan warna-warna yang ditinggikan... di versi kedua menjadi sosok-sosok vermilion yang garang dan datar bergetar melawan pita-pita hijau cerah dan langit. Orang-orang sezaman melihat lukisan itu sebagai pagan dan Dionysian." Perhatikan perspektif yang diratakan, bagaimana angka-angkanya berukuran sama daripada yang lebih jauh dari yang lebih kecil seperti yang terjadi dalam perspektif atau pemendekan untuk lukisan representasional. Bagaimana garis antara biru dan hijau di belakang angka melengkung, menggemakan lingkaran angka. “Permukaan diwarnai hingga saturasi, ke titik di mana biru, gagasan tentang biru mutlak, hadir secara meyakinkan. Hijau cerah untuk bumi dan vermilion cerah untuk tubuh. Dengan tiga warna ini saya memiliki harmoni cahaya dan juga kemurnian nada." - Matisse Sumber "Pameran Pengantar Dari Rusia untuk guru dan siswa" oleh Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008. Pelukis Terkenal Willem de Kooning Lukisan Willem de Kooning di studionya di Easthampton, Long Island, New York, pada tahun 1967. Ben Van Meerondonk / Arsip Hulton / Getty Images Pelukis Willem de Kooning lahir di Rotterdam, Belanda pada 24 Agustus 1904, dan meninggal di Long Island, New York, pada 19 Maret 1997. De Kooning magang di perusahaan seni dan dekorasi komersial ketika ia berusia 12 tahun dan menghadiri kelas malam di Akademi Seni Rupa dan Teknik Rotterdam selama delapan tahun. Dia beremigrasi ke Amerika Serikat pada tahun 1926 dan mulai melukis penuh waktu pada tahun 1936. Gaya lukisan De Kooning adalah Abstrak Ekspresionisme. Dia mengadakan pameran tunggal pertamanya di Galeri Charles Egan di New York pada tahun 1948, dengan badan karya dalam cat enamel hitam-putih. Dia mulai menggunakan cat enamel karena dia tidak mampu membeli pigmen artis. Pada 1950-an dia diakui sebagai salah satu pemimpin Abstrak Ekspresionisme, meskipun beberapa puritan gaya berpikir lukisannya seperti seri Wanita termasuk juga sebagian besar berbentuk manusia. Lukisannya mengandung banyak lapisan, elemen tumpang tindih dan tersembunyi saat ia mengerjakan ulang dan mengerjakan ulang sebuah lukisan. Perubahan diizinkan untuk ditampilkan. Dia menggambar di kanvasnya dengan arang secara ekstensif, untuk komposisi awal dan saat melukis. Sapuan kuasnya gestural, ekspresif, liar, dengan rasa energi di balik sapuan. Lukisan terakhir sekilas selesai tetapi tidak. Hasil artistik De Kooning membentang hampir tujuh dekade dan termasuk lukisan, patung, gambar, dan cetakan. Lukisan terakhirnya Sumber pada akhir 1980-an. Lukisannya yang paling terkenal adalah Malaikat Merah Muda c. 1945, Penggalian 1950, dan Wanita ketiganyaseri 1950–53 dilakukan dengan gaya yang lebih lukis dan pendekatan improvisasi. Pada tahun 1940-an ia bekerja secara bersamaan dalam gaya abstrak dan representasional. Terobosannya datang dengan komposisi abstrak hitam-putihnya pada tahun 1948–49. Pada pertengahan 1950-an ia melukis abstraksi perkotaan, kembali ke figurasi pada 1960-an, kemudian ke abstraksi gestural besar pada 1970-an. Pada 1980-an, de Kooning berubah untuk mengerjakan permukaan halus, kaca dengan warna-warna cerah dan transparan di atas potongan-potongan gambar gestural. Gotik Amerika - Grant Wood Kurator Jane Milosch di Smithsonian American Art Museum bersama lukisan terkenal karya Grant Wood yang disebut "American Gothic". Ukuran lukisan 78x65 cm 30 3/4 x 25 3/4 in. Cat minyak di Beaver Board. Shealah Craighead / Gedung Putih / Getty Images American Gothic mungkin yang paling terkenal dari semua lukisan seniman Amerika Grant Wood yang pernah dibuat. Sekarang di Institut Seni Chicago. Grant Wood melukis "American Gothic" pada tahun 1930. Lukisan itu menggambarkan seorang pria dan putrinya bukan istrinya 1 berdiri di depan rumah mereka. Grant melihat bangunan yang menginspirasi lukisan di Eldon, Iowa. Gaya arsitekturnya adalah American Gothic, di situlah lukisan itu mendapatkan gelarnya. Model lukisan itu adalah saudara perempuan Wood dan dokter gigi mereka. 2 . Lukisan itu ditandatangani di dekat tepi bawah, di baju terusan pria itu, dengan nama seniman dan tahun Grant Wood 1930. Apa arti lukisan itu? Wood bermaksud agar itu menjadi penggambaran yang bermartabat dari karakter orang Amerika Barat Tengah, yang menunjukkan etika Puritan mereka. Tapi itu bisa dianggap sebagai komentar sindiran atas intoleransi penduduk pedesaan terhadap orang luar. Simbolisme dalam lukisan itu mencakup kerja keras garpu rumput dan rumah tangga pot bunga dan celemek bermotif kolonial. Jika Anda perhatikan lebih dekat, Anda akan melihat tiga cabang garpu rumput bergema di jahitan di baju terusan pria, melanjutkan garis-garis di bajunya. Sumber American Gothic , Art Institute of Chicago, diambil 23 Maret 2011. "Kristus dari Santo Yohanes dari Salib" - Salvador Dali Kristus dari St John of The Cross oleh Salvador Dali, koleksi Galeri Seni Kelvingrove, Glasgow. Jeff J Mitchell / Getty Images Lukisan karya Salvador Dali ini berada dalam koleksi Galeri dan Museum Seni Kelvingrove di Glasgow, Skotlandia. Lukisan itu pertama kali dipamerkan di galeri pada 23 Juni 1952. Lukisan itu dibeli seharga ÂŁ yang dianggap sebagai harga tinggi meskipun itu termasuk hak cipta yang memungkinkan galeri memperoleh biaya reproduksi dan menjual kartu pos yang tak terhitung jumlahnya! . Tidak biasa bagi Dali untuk menjual hak cipta sebuah lukisan, tetapi dia membutuhkan uang. Hak cipta tetap dimiliki artis kecuali jika sudah ditandatangani, lihat FAQ Hak Cipta Artis . "Tampaknya dalam kesulitan keuangan, Dali awalnya meminta ÂŁ tetapi setelah beberapa tawar-menawar yang sulit ... dia menjualnya hampir sepertiga lebih sedikit dan menandatangani surat ke kota [Glasgow] pada tahun 1952 menyerahkan hak cipta. Judul lukisan itu mengacu pada gambar yang menginspirasi Dali. Pena dan tinta menggambar dilakukan setelah penglihatan Santo Yohanes dari Salib seorang biarawan Karmelit Spanyol, 1542-1591 di mana dia melihat penyaliban Kristus seolah-olah dia melihatnya dari atas. Komposisinya mencolok karena sudut pandangnya yang tidak biasa tentang penyaliban Kristus, pencahayaannya yang dramatis menimbulkan bayangan yang kuat , dan penggunaan yang luar biasa dari pemendekan pada gambar. Pemandangan di bagian bawah lukisan adalah pelabuhan kampung halaman Dali, Port Lligat di Spanyol. Lukisan itu kontroversial dalam banyak hal jumlah yang dibayarkan untuk itu; materi pelajaran; gaya yang tampak retro daripada modern. Baca lebih lanjut tentang lukisan itu di situs web galeri. Sumber " Kasus Nyata Gambar Dali dan Pertempuran Lisensi Artistik " oleh Severin Carrell, The Guardian , 27 Januari 2009 Kaleng Sup Campbell - Andy Warhol Lukisan Timah Sup Andy Warhol. © Tjeerd Wiersma / Flickr Detail dari Kaleng Sup Andy Warhol Campbell . Akrilik di atas kanvas. 32 lukisan masing-masing 20x16" Dalam koleksi Museum of Modern Art MoMA di New York. Warhol pertama kali memamerkan seri lukisan kaleng sup Campbell pada tahun 1962, dengan bagian bawah setiap lukisan bertumpu pada rak seperti kaleng di supermarket. Ada 32 lukisan dalam seri, jumlah jenis sup yang dijual pada saat itu oleh Campbell's. Jika Anda membayangkan Warhol mengisi dapurnya dengan kaleng sup, maka makan sekaleng itu 's selesai melukis, sepertinya tidak. Menurut situs web Moma, Warhol menggunakan daftar produk dari Campbell untuk menetapkan rasa yang berbeda untuk setiap lukisan. Ketika ditanya tentang itu, Warhol berkata "Saya dulu meminumnya. Saya dulu makan siang yang sama setiap hari, selama dua puluh tahun, saya rasa, hal yang sama berulang-ulang." 1 Warhol juga tampaknya tidak memiliki pesanan yang dia inginkan untuk menampilkan lukisan. Moma menampilkan lukisan "dalam baris yang mencerminkan urutan kronologis di mana [sup] diperkenalkan, dimulai dengan 'Tomat' di kiri atas, yang memulai debutnya di 1897." Jadi jika Anda melukis seri dan ingin mereka ditampilkan dalam urutan tertentu, pastikan Anda membuat catatan ini di suatu tempat. Tepi belakang kanvas mungkin yang terbaik karena tidak akan terlepas dari lukisan walaupun mungkin tersembunyi jika lukisan dibingkai. Warhol adalah seniman yang sering disebut-sebut oleh para pelukis yang ingin membuat karya turunan. Dua hal yang perlu diperhatikan sebelum melakukan hal serupa Di situs web Moma , ada indikasi lisensi dari Campbell's Soup Co yaitu, perjanjian lisensi antara perusahaan sup dan perkebunan artis. Penegakan hak cipta tampaknya tidak terlalu menjadi masalah di zaman Warhol. Jangan membuat asumsi hak cipta berdasarkan karya Warhol. Lakukan riset dan putuskan tingkat kekhawatiran Anda tentang kemungkinan kasus pelanggaran hak cipta. Campbell tidak menugaskan Warhol untuk membuat lukisan meskipun mereka kemudian menugaskan satu untuk pensiunan ketua dewan pada tahun 1964 dan memiliki kekhawatiran ketika merek tersebut muncul dalam lukisan Warhol pada tahun 1962, mengadopsi pendekatan tunggu dan lihat untuk menilai apa tanggapannya. adalah untuk lukisan. Pada tahun 2004, 2006, dan 2012 kaleng Campbell dijual dengan label peringatan khusus Warhol. Sumber 1. Seperti dikutip dari Moma , diakses 31 Agustus 2012. Pohon Lebih Besar Dekat Warter - David Hockney David Hockney Pohon Lebih Besar Dekat Warter. Atas Dan Kitwood / Getty Foto oleh Bruno Vincent / Getty Images Atas Artis David Hockney berdiri di samping bagian dari lukisan cat minyaknya "Bigger Trees Near Warter", yang ia sumbangkan ke Tate Britain pada April 2008. Bawah Lukisan itu pertama kali dipamerkan dalam Pameran Musim Panas 2007 di Royal Academy di London, mengambil di seluruh dinding. Lukisan cat minyak David Hockney "Bigger Trees Near Warter" juga disebut Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique menggambarkan pemandangan di dekat Bridlington di Yorkshire. Lukisan itu terbuat dari 50 kanvas yang disusun berdampingan. Dijumlahkan, ukuran keseluruhan lukisan adalah 40x15 kaki 4,6x12 meter. Pada saat Hockney melukisnya, itu adalah karya terbesar yang pernah dia selesaikan, meskipun bukan yang pertama dia buat menggunakan banyak kanvas. " Saya melakukan ini karena saya sadar saya bisa melakukannya tanpa tangga. Ketika Anda melukis Anda harus bisa mundur. Nah, ada seniman yang terbunuh saat mundur dari tangga, bukan? " - Hockney dikutip dalam laporan berita Reuter , 7 April 2008. Hockney menggunakan gambar dan komputer untuk membantu komposisi dan lukisan. Setelah satu bagian selesai, foto diambil sehingga dia bisa melihat seluruh lukisan di komputer. "Pertama, Hockney membuat sketsa kotak yang menunjukkan bagaimana adegan itu akan cocok bersama di lebih dari 50 panel. Kemudian dia mulai mengerjakan panel individu di tempat. Saat dia mengerjakannya, mereka difoto dan dibuat menjadi mosaik komputer sehingga dia bisa memetakannya. kemajuan, karena dia hanya bisa memiliki enam panel di dinding pada satu waktu." Sumber Charlotte Higgins, koresponden seni Guardian , Hockney menyumbangkan karya besar untuk Tate , 7 April 2008. Lukisan Perang Henry Moore Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension oleh Henry Moore 1941. Tinta, cat air, lilin, dan pensil di atas kertas. Tate © Direproduksi dengan izin dari The Henry Moore Foundation Pameran Henry Moore di Galeri Tate Britain di London berlangsung dari 24 Februari hingga 8 Agustus 2010. Seniman Inggris Henry Moore paling terkenal karena pahatannya, tetapi juga dikenal karena lukisan tinta, lilin, dan cat airnya tentang orang-orang yang berlindung di stasiun bawah tanah London selama Perang Dunia Kedua. Moore adalah Artis Perang Resmi, dan Pameran Henry Moore 2010 di Galeri Tate Britain memiliki ruangan khusus untuk ini. Dibuat antara musim gugur 1940 dan musim panas 1941, penggambarannya tentang sosok-sosok tidur yang berkerumun di terowongan kereta api menangkap rasa kesedihan yang mengubah reputasinya dan memengaruhi persepsi populer tentang Blitz. Karyanya tahun 1950-an mencerminkan akibat perang dan prospek konflik lebih lahir di Yorkshire dan belajar di Leeds School of Art pada tahun 1919, setelah bertugas di Perang Dunia Pertama. Pada tahun 1921 ia memenangkan beasiswa ke Royal College di London. Dia kemudian mengajar di Royal College serta Chelsea School of Art. Dari 1940 Moore tinggal di Perry Green di Hertfordshire, sekarang rumah bagi Henry Moore Foundation . Pada Venice Biennale 1948, Moore memenangkan Penghargaan Patung Internasional. "Frank" - Chuck Tutup "Frank" - Tutup Chuck. Tim Wilson / Flickr "Frank" oleh Chuck Close, 1969. Akrilik di atas kanvas. Ukuran 108 x 84 x 3 inci 274,3 x 213,4 x 7,6 cm. Di Institut Seni Minneapolis . Potret Diri dan Potret Foto Lucian Freud Kiri "Potret Diri Refleksi" oleh Lucian Freud 2002 26x20" Minyak di atas Kanvas. Kanan Potret foto diambil Desember 2007. Scott Wintrow / Getty Images Artis Lucian Freud terkenal karena tatapannya yang intens dan tak kenal ampun, tetapi seperti yang ditunjukkan oleh potret diri ini, dia mengarahkannya pada dirinya sendiri, bukan hanya modelnya. 1. "Saya pikir potret yang bagus berkaitan dengan ... perasaan dan individualitas dan intensitas perhatian dan fokus pada hal yang spesifik." 1 2. "...kau harus mencoba melukis dirimu sebagai orang lain. Dengan potret diri 'kesamaan' menjadi hal yang berbeda. Aku harus melakukan apa yang aku rasakan tanpa menjadi ekspresionis." 2 Sumber 1. Lucian Freud, dikutip dalam Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud dikutip dalam Lucian Freud oleh William Feaver Tate Publishing, London 2002, p43. "Bapak Mona Lisa" - Man Ray "Bapak Mona Lisa" oleh Man Ray. Neologisme / Flickr "The Father Of Mona Lisa" oleh Man Ray, 1967. Reproduksi gambar yang dipasang di papan serat, dengan tambahan cerutu. Ukuran 18 x 13 5/8 x 2 5/8 inci 45,7 x 34,6 x 6,7 cm. Dalam koleksi Museum Hirshorn . Banyak orang mengasosiasikan Man Ray hanya dengan fotografi, tetapi dia juga seorang seniman dan pelukis. Dia berteman dengan artis Marcel Duchamp dan bekerja sama dengannya. Pada Mei 1999, majalah Art News memasukkan Man Ray dalam daftar 25 seniman paling berpengaruh abad ke-20, untuk fotografi dan "eksplorasi film, lukisan, patung, kolase, kumpulan. Prototipe ini pada akhirnya akan disebut seni pertunjukan dan seni konseptual." Berita Seni berkata "Man Ray menawarkan seniman di semua media contoh kecerdasan kreatif yang, dalam 'mengejar kesenangan dan kebebasan' [prinsip panduan yang dinyatakan Man Ray] membuka kunci setiap pintu yang ia datangi dan berjalan bebas ke mana pun ia mau." Sumber Kutipan Seni News, Mei 1999, "Provokator Sengaja" oleh AD Coleman. Karya ini, "Bapak Mona Lisa", menunjukkan bagaimana ide yang relatif sederhana bisa efektif. Bagian yang sulit adalah memunculkan ide di tempat pertama; terkadang mereka datang sebagai kilasan inspirasi; terkadang sebagai bagian dari brainstorming ide; terkadang dengan mengembangkan dan mengejar suatu konsep atau pemikiran. Pelukis Terkenal Yves Klein Charles Wilp / Institusi Smithsonian / Museum Hirshhorn Retrospektif Pameran Yves Klein di Museum Hirshhorn di Washington, AS, dari 20 Mei 2010 hingga 12 September 2010. Seniman Yves Klein mungkin paling terkenal karena karya seni monokromatiknya yang menampilkan warna biru khususnya lihat "Kuas Hidup" misalnya. IKB atau International Klein Blue adalah biru laut yang ia formulasikan. Menyebut dirinya "pelukis ruang", Klein "berusaha mencapai spiritualitas immaterial melalui warna murni" dan memusatkan perhatiannya pada "gagasan kontemporer tentang sifat konseptual seni" 1 . Klein memiliki karir yang relatif singkat, kurang dari sepuluh tahun. Karya publik pertamanya adalah buku seniman Yves Peintures "Lukisan Yves", diterbitkan pada tahun 1954. Pameran publik pertamanya adalah pada tahun 1955. Dia meninggal karena serangan jantung pada tahun 1962, pada usia 34. Timeline of Klein's Life dari Yves Klein Arsip . Sumber 1. Yves Klein With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, diakses 13 Mei 2010. "Kuas Hidup" - Yves Klein Tanpa Judul ANT154 oleh Yves Klein. Pigmen dan resin sintetis di atas kertas, di atas kanvas. 102x70 inci 259x178 cm. Dalam Koleksi Museum Seni Modern San Francisco SFMOMA. David Marwick / Flickr Lukisan karya seniman Prancis Yves Klein 1928-1962 ini adalah salah satu seri yang ia gunakan "kuas cat hidup". Dia menutupi model wanita telanjang dengan cat biru khasnya International Klein Blue, IKB dan kemudian dalam karya seni pertunjukan di depan penonton "melukis" dengan mereka di atas kertas besar dengan mengarahkan mereka secara lisan. Judul "ANT154" berasal dari komentar yang dibuat oleh kritikus seni, Pierre Restany, menggambarkan lukisan yang dihasilkan sebagai "antropometri periode biru." Klein menggunakan akronim ANT sebagai judul seri. Lukisan Hitam - Iklan Reinhardt Lukisan Hitam Ad Reinhardt. Amy Sia / Flickr "Ada sesuatu yang salah, tidak bertanggung jawab dan ceroboh tentang warna; sesuatu yang mustahil untuk dikendalikan. Kontrol dan rasionalitas adalah bagian dari moralitas saya." - Iklan Reinhard pada tahun 1960 1 Lukisan monokrom karya seniman Amerika Ad Reinhardt 1913-1967 ini berada di Museum of Modern Art Moma di New York. Ukurannya 60x60" 152,4x152,4cm, minyak di atas kanvas, dan dilukis tahun 1960-61. Selama dekade terakhir dan sedikit hidupnya dia meninggal pada tahun 1967, Reinhardt hanya menggunakan warna hitam dalam lukisannya. Amy Sia , yang " _ di depan lukisan Dalam esainya tentang Reinhardt untuk Guggenheim, Nancy Spector menggambarkan kanvas Reinhardt sebagai "kotak hitam yang diredam yang berisi bentuk salib yang nyaris tidak terlihat [yang] menantang batas visibilitas"Sumber 1. Color in Art oleh John Gage, p205 2. Reinhardt oleh Nancy Spector, Museum Guggenheim Diakses 5 Agustus 2013 Lukisan London John Virtue Cat akrilik putih, tinta hitam, dan lak di atas kanvas. Dalam koleksi Galeri Nasional di London. Jacob Appelbaum / Flickr Seniman Inggris John Virtue telah melukis pemandangan abstrak hanya dengan hitam dan putih sejak 1978. Pada DVD yang diproduksi oleh London National Gallery, Virtue mengatakan bekerja dalam warna hitam dan putih memaksanya "menjadi inventif ... untuk menemukan kembali." Menghindari warna "memperdalam perasaan saya tentang warna apa yang ada ... Rasa sebenarnya dari apa yang saya lihat ... adalah yang terbaik dan lebih akurat dan lebih tersampaikan dengan tidak memiliki palet cat minyak. Warnanya akan menjadi cul de sac." Ini adalah salah satu lukisan John Virtue di London, dibuat saat dia menjadi seniman asosiasi di Galeri Nasional dari 2003 hingga 2005. Situs web Galeri Nasionalmenggambarkan lukisan Virtue memiliki "kedekatan dengan lukisan kuas oriental dan ekspresionisme abstrak Amerika" dan berkaitan erat dengan "pelukis lanskap Inggris yang hebat, Turner dan Constable, yang sangat dikagumi oleh Virtue" serta dipengaruhi oleh "lanskap Belanda dan Flemish dari Ruisdael, Koninck dan Rubens". Kebajikan tidak memberikan judul pada lukisannya, hanya angka. Dalam sebuah wawancara di majalah Artis dan Ilustrator edisi April 2005, Virtue mengatakan bahwa dia mulai menghitung karyanya secara kronologis pada tahun 1978 ketika dia mulai bekerja dalam monokrom "Tidak ada hierarki. Tidak masalah apakah itu 28 kaki atau tiga inci. Ini adalah buku harian non-verbal tentang keberadaan saya." Lukisannya hanya disebut "Landscape atau "Landscape dan seterusnya. Tempat Sampah Seni - Michael Landy Foto pameran dan lukisan terkenal untuk memperluas pengetahuan seni Anda. Foto-foto dari "The Art Bin" sebuah pameran oleh Michael Landy di Galeri London Selatan. Atas Berdiri di samping tempat sampah benar-benar memberi kesan skala. Kiri bawah Bagian dari seni di tempat sampah. Kanan bawah Lukisan berbingkai tebal yang akan menjadi sampah. Foto © 2010 Marion Boddy-Evans. Dilisensikan ke Inc. Pameran Art Bin oleh seniman Michael Landy berlangsung di Galeri London Selatan dari 29 Januari hingga 14 Maret 2010. Konsepnya adalah tempat sampah yang sangat besar 600m 3 yang dibangun ke dalam ruang galeri, di mana seni dibuang, "a monumen kegagalan kreatif" 1 . Tapi bukan sembarang seni lama; Anda harus mengajukan permohonan untuk membuang karya seni Anda ke tempat sampah, baik secara online atau di galeri, dengan Michael Landy atau salah satu perwakilannya memutuskan apakah itu dapat dimasukkan atau tidak. Jika diterima, itu dibuang ke tempat sampah dari menara di salah satu ujungnya. Ketika saya berada di pameran, beberapa potongan dilemparkan ke dalam, dan orang yang melakukan lemparan itu telah banyak berlatih dari cara dia membuat satu lukisan meluncur ke sisi lain wadah. Interpretasi seni mengarah ke jalan kapan/mengapa seni dianggap baik atau sampah, subjektivitas dalam nilai yang dikaitkan dengan seni, tindakan pengumpulan seni, kekuatan kolektor seni dan galeri untuk membuat atau menghancurkan karir seniman. Sangat menarik untuk berjalan di sepanjang sisi melihat apa yang telah dilemparkan, apa yang rusak banyak potongan polistiren, dan apa yang tidak kebanyakan lukisan di atas kanvas utuh. Di suatu tempat di bagian bawah, ada cetakan tengkorak besar yang dihiasi kaca karya Damien Hirst dan sepotong karya Tracey Emin. Pada akhirnya, apa yang bisa didaur ulang misalnya tandu kertas dan kanvas dan sisanya akan dibuang ke TPA. Terkubur sebagai sampah, tidak mungkin digali berabad-abad dari sekarang oleh seorang arkeolog. Sumber 1&2. Michael Landy Art Bin situs web Galeri London Selatan, diakses 13 Maret 2010. Barack Obama - Shepard Fairey "Barack Obama" oleh Shepard Fairey 2008. Stensil, kolase, dan akrilik di atas kertas. 60x44 inci. Galeri Potret Nasional, Washington DC. Hadiah Koleksi Heather dan Tony Podesta untuk menghormati Mary K Podesta. Shepard Fairey / Lukisan politisi AS Barack Obama, kolase stensil media campuran, dibuat oleh seniman jalanan yang berbasis di Los Angeles, Shepard Fairey . Itu adalah gambar potret utama yang digunakan dalam kampanye pemilihan presiden Obama 2008, dan didistribusikan sebagai cetakan edisi terbatas dan unduhan gratis. Sekarang di Galeri Potret Nasional di Washington DC. 1. "Untuk membuat poster Obama yang dia lakukan dalam waktu kurang dari seminggu, Fairey mengambil foto berita kandidat dari Internet. Dia mencari Obama yang terlihat seperti presiden... Seniman itu kemudian menyederhanakan garis dan geometri , menggunakan palet patriotik merah, putih dan biru yang dia mainkan dengan membuat putih menjadi krem ​​dan biru menjadi warna pastel... kata-kata tebal... 2. "Poster Obama-nya dan banyak iklan komersial dan bagusnya karya seni adalah pengerjaan ulang teknik propagandis revolusioner - warna-warna cerah, huruf tebal, kesederhanaan geometris, pose heroik." Sumber " Pengesahan Di Dinding Obama" oleh William Booth, Washington Post 18 Mei 2008. "Requiem, Mawar Putih dan Kupu-kupu" - Damien Hirst "Requiem, White Roses and Butterflies" oleh Damien Hirst 2008. 1500x2300mm. Minyak di atas kanvas. Atas perkenan Damien Hirst dan Koleksi Wallace. Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst Seniman Inggris Damien Hirst paling terkenal karena hewannya yang diawetkan dalam formaldehida, tetapi di awal 40-an dia kembali ke lukisan cat minyak. Pada Oktober 2009 ia memamerkan lukisan yang dibuat antara 2006 hingga 2008 untuk pertama kalinya di London. Ini contoh lukisan karya seniman terkenal yang belum terkenal berasal dari pamerannya di Wallace Collection di London berjudul "No Love Lost." Tanggal 12 Oktober 2009 hingga 24 Januari 2010. BBC News mengutip perkataan Hirst "Dia sekarang hanya melukis dengan tangan", bahwa selama dua tahun "lukisannya memalukan dan saya tidak ingin siapa pun masuk." dan bahwa dia "harus belajar kembali melukis untuk pertama kalinya sejak dia masih remaja mahasiswa seni." 1 Siaran pers yang menyertai pameran Wallace mengatakan "'Lukisan Biru' menjadi saksi arah baru yang berani dalam karyanya; serangkaian lukisan yang, dalam kata-kata senimannya, 'sangat terhubung dengan masa lalu.'" Menempatkan cat di atas kanvas tentu saja merupakan arah baru bagi Hirst dan, ke mana pun Hirst pergi, kemungkinan besar akan diikuti oleh mahasiswa seni. Lukisan cat minyak bisa menjadi trendi lagi. Guide to London Travel, Laura Porter, pergi ke pratinjau pers pameran Hirst dan mendapat jawaban atas satu pertanyaan yang ingin saya ketahui Pigmen biru apa yang dia gunakan? Laura diberitahu bahwa itu adalah " Biru Prusia untuk semua kecuali satu dari 25 lukisan, yang berwarna hitam." Tidak heran warnanya begitu gelap, biru membara! Kritikus seni Adrian Searle dari The Guardian tidak terlalu menyukai lukisan Hirst "Paling buruk, gambar Hirst hanya terlihat amatir dan remaja. Sapuannya tidak memiliki keuletan dan kepanikan yang membuat Anda percaya pada kebohongan pelukis. Dia belum bisa melakukannya." 2 Sumber 1 Hirst 'Menyerah Hewan Acar' , BBC News, 1 Oktober 2009 2. " Lukisan Damien Hirst Mematikan Kusam ," Adrian Searle, Guardian , 14 Oktober 2009. Artis Terkenal Antony Gormley Artis Antony Gormley di latar depan pada hari pertama karya seni instalasi Plinth Keempatnya di Trafalgar Square di London. Jim Dyson / Getty Images Antony Gormley adalah seniman Inggris yang mungkin paling terkenal dengan patungnya Angel of the North, diresmikan pada tahun 1998. Patung ini berdiri di Tyneside, timur laut Inggris, di sebuah situs yang dulunya adalah tambang batu bara, menyambut Anda dengan sayap selebar 54 meter. Pada bulan Juli 2009 karya seni instalasi Gormley di Plinth Keempat di Trafalgar Square di London melihat seorang sukarelawan berdiri selama satu jam di alas, 24 jam sehari, selama 100 hari. Berbeda dengan alas lainnya di Trafalgar Square, alas keempat yang berada tepat di luar Galeri Nasional, tidak memiliki patung permanen di atasnya. Beberapa peserta adalah seniman itu sendiri, dan membuat sketsa sudut pandang mereka yang tidak biasa foto.Antony Gormley lahir pada tahun 1950, di London. Ia belajar di berbagai perguruan tinggi di Inggris dan Buddhisme di India dan Sri Lanka, sebelum fokus pada seni pahat di Slade School of Art di London antara 1977 dan 1979. Pameran tunggal pertamanya adalah di Whitechapel Art Gallery pada 1981. Pada 1994 Gormley memenangkan Hadiah Turner dengan "Field for the British Isles" -nya. Biografinya di situs webnya mengatakan ...Antony Gormley telah merevitalisasi citra manusia dalam seni patung melalui penyelidikan radikal tubuh sebagai tempat memori dan transformasi, menggunakan tubuhnya sendiri sebagai subjek, alat dan bahan. Sejak tahun 1990 ia telah memperluas perhatiannya dengan kondisi manusia untuk mengeksplorasi tubuh kolektif dan hubungan antara diri dan orang lain dalam instalasi skala besar ... Gormley tidak menciptakan tipe figur yang dia buat karena dia tidak bisa membuat patung bergaya tradisional. Sebaliknya, dia menikmati perbedaan dan kemampuan yang mereka berikan kepada kita untuk menafsirkannya. Dalam sebuah wawancara dengan The Times 1 , dia berkata "Patung tradisional bukan tentang potensi, tapi tentang sesuatu yang sudah lengkap. Mereka memiliki otoritas moral yang menindas daripada kolaboratif. Karya saya mengakui kekosongan mereka." Sumber Antony Gormley, Man Who Broke the Mold oleh John-Paul Flintoff, The Times, 2 Maret 2008. Pelukis Inggris Kontemporer Terkenal Pelukis Kontemporer. Peter Macdiarmid / Getty Images Dari kiri ke kanan, seniman Bob dan Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego , Michael Craig-Martin, Maggi Hambling , Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake , dan Alison Watt. Acara tersebut adalah melihat lukisan Diana dan Actaeon karya Titian tak terlihat, ke kiri di National Gallery di London, dengan tujuan menggalang dana untuk membeli lukisan tersebut untuk galeri. Artis Terkenal Lee Krasner dan Jackson Pollock Lee Krasner dan Jackson Pollock di Hampton timur, ca. 1946. Foto 10x7 cm. Makalah Jackson Pollock dan Lee Krasner, ca. 1905-1984. Arsip Seni Amerika, Smithsonian Institution. Ronald Stein / Jackson Pollock dan Lee Krasner Papers Dari dua pelukis ini, Jackson Pollock lebih terkenal daripada Lee Krasner, tetapi tanpa dukungan dan promosi karya seninya, dia mungkin tidak memiliki tempat di garis waktu seni yang dia miliki. Keduanya dilukis dengan gaya abstrak ekspresionis. Krasner berjuang untuk mendapatkan pujian kritis dalam dirinya sendiri, bukan hanya dianggap sebagai istri Pollock. Krasner meninggalkan warisan untuk mendirikan Yayasan Pollock-Krasner , yang memberikan hibah kepada seniman visual. Kuda-kuda Tangga Louis Aston Knight Louis Aston Knight dan kuda-kuda tangganya. Fotografer tak dikenal. Cetakan foto hitam-putih. Dimensi 18cmx13cm. Koleksi Catatan Departemen Referensi Seni Putra Charles Scribner, c. 1865-1957. Arsip Seni Amerika / Institusi Smithsonian Louis Aston Knight 1873-1948 adalah seorang seniman Amerika kelahiran Paris yang dikenal dengan lukisan pemandangannya. Dia awalnya dilatih di bawah ayah senimannya, Daniel Ridgway Knight. Dia dipamerkan di Salon Prancis untuk pertama kalinya pada tahun 1894 dan terus melakukannya sepanjang hidupnya sambil juga mendapatkan pengakuan di Amerika. Lukisannya The Afterglow dibeli pada tahun 1922 oleh Presiden AS Warren Harding untuk Gedung Putih. Foto dari Arsip Seni Amerika ini, sayangnya, tidak memberi kita lokasi, tetapi Anda harus berpikir bahwa setiap seniman yang mau mengarungi air dengan tangga kuda-kuda dan catnya sangat berdedikasi untuk mengamati alam atau cukup pemain sandiwara. 1897 Kelas Seni Wanita Kelas seni wanita dengan instruktur William Merritt Chase. Arsip Seni Amerika / Institusi Smithsonian. Foto dari tahun 1897 dari Arsip Seni Amerika ini menunjukkan kelas seni wanita dengan instruktur William Merritt Chase. Pada masa itu, laki-laki dan perempuan mengikuti kelas seni secara terpisah, dimana karena perkembangan zaman, perempuan cukup beruntung bisa mendapatkan pendidikan seni sama sekali. Sekolah Seni Musim Panas Sekolah Seni Musim Panas pada tahun 1900. Arsip Seni Amerika / Institut Smithsonian Siswa seni di kelas musim panas Sekolah Seni Rupa St Paul, Mendota, Minnesota, difoto pada tahun 1900 dengan guru Burt Harwood. Selain mode, topi matahari besar sangat praktis untuk melukis di luar ruangan karena membuat matahari tidak masuk ke mata Anda dan mencegah wajah Anda terbakar sinar matahari seperti halnya atasan berlengan panjang. "Kapal Nelson dalam Botol" - Yinka Shonibar Kapal Nelson dalam Botol di Plinth Keempat di Trafalgar Square oleh Yinka Shonibar. Dan Kitwood / Getty Images Terkadang skala karya seni yang memberikan dampak dramatis, jauh lebih dari subjeknya. "Kapal Nelson dalam Botol" oleh Yinka Shonibar sangat bagus. "Kapal Nelson dalam Botol" oleh Yinka Shonibar adalah kapal setinggi 2,35 meter di dalam botol yang lebih tinggi. Ini adalah replika skala 129 dari kapal induk Wakil Laksamana Nelson, HMS Victory . "Nelson's Ship in a Bottle" muncul di Plinth Keempat di Trafalgar Square di London pada 24 Mei 2010. Plinth Keempat berdiri kosong dari tahun 1841 hingga 1999, ketika yang pertama dari serangkaian karya seni kontemporer yang sedang berlangsung, ditugaskan khusus untuk alas oleh Kelompok Komisioning Plinth Keempat . Karya seni sebelum "Nelson's Ship in a Bottle" adalah One & Other oleh Antony Gormley, di mana orang yang berbeda berdiri di alas selama satu jam, sepanjang waktu, selama 100 hari. Dari tahun 2005 hingga 2007 Anda dapat melihat patung karya Marc Quinn,, dan dari November 2007 menjadi Model for a Hotel 2007 oleh Thomas Schutte. Desain batik pada layar "Nelson's Ship in a Bottle" dicetak tangan oleh seniman di atas kanvas, terinspirasi oleh kain dari Afrika dan sejarahnya. Botolnya berukuran 5x2,8 meter, terbuat dari perspex bukan kaca, dan bukaannya cukup besar untuk masuk ke dalam untuk membangun kapal. Konsep teknik, prosedur, pemeranan seni teater modern. Perbedaan antara teater klasik & modern. Jelaskan Bentuk Bentuk Pementasan Teater Modern Meteor Memiliki fungsi yang sama, yaitu sebagai media. Jelaskan perbedaan teater tradisional dan teater modern. Panggung tertata rapi dengan jenis peralatan yang lebih kompleks dibandingkan dengan teater tradisional.
1 Karya seorang seniman yang paling bermutu biasa disebut . a. best seller b. the master c. master piece d. prima karya e. karya emas 2. Seni kri ya juga biasa disebut sebagai seni . a. ketermpilan b. kerajinan c. tradisional d. kontemporer e. murni 3.
Pameranatau exibition memiliki tujuan yang berbeda-beda. Pameran umumnya bertujuan untuk memamerkan suatu karya seni kepada orang lain baik untuk kepentingan komersil atau jual beli karya untuk seniman pribadi, ataupun dilakukan untuk kepentingan sosial dimana hasil penjualannya akan disalurkan bagi mereka yang membutuhkan. Pameran berdasarkan
Jawaban(1 dari 2): Seni adalah keahlian membuat karya yang bermutu, seperti tari, lukisan, ukiran. Seni meliputi banyak kegiatan manusia dalam menciptakan karya visual, audio, atau pertunjukan yang mengungkapkan imajinasi, gagasan, atau keprigelan teknik pembuatnya, untuk dihargai keindahannya a
Senimanmural kali ini datang dari Kota Bandung, salah satu karya yang paling banyak dikenal oleh masyarakat adalah keterlibatannya dalam cover album salah satu musisi kenamaan tanah air, yaitu Kunto Aji lewat album Mantra-Mantra.. Seperti yang terlihat, karya dari pria yang pernah menempuh pendidikan di Lasalle College of Arts ini identik dengan unsur humor dan komedi.
BacaJuga : Mengulas Sosok Seniman Terkenal Yang Bernama Leonardo da Vinci. Selama dari dekade pertama yang sudah ada pada abad yang ke-20, gayanya ini juga tidak pernah berubah saat dia ini sedang bereksperimen dengan berbagai jenis teori, teknik, dan juga ide. Setelah 1906, karya Fauvist dari seniman yang saat ini itu sudah sangat sedikit
Jadi jawaban yang benar adalah (A) Pameran tunggal Sekian Soal dan Pembahasan Pameran pameran yang hanya menampilkan karya seorang seniman disebut. Semoga pameran yang hanya menampilkan karya seorang seniman disebut Soal dan Pembahasan Pameran tadi dapat membantu teman-teman dalam belajar.
FranciscoGoya merupakan seorang seniman Romantisisme yang berasal dari Spanyol dan dianggap paling penting di abad 18-an akhir. Sepanjang perjalanan karirnya, Goya banyak mengabadikan sejarah melalui karya lukisannya. Goya juga sering disebut sebagai Old Masters yang terakhir dan seorang pelukis modern yang pertama. Q7ON7Lb.
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/274
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/887
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/323
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/861
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/582
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/714
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/204
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/771
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/272
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/384
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/903
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/691
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/617
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/250
  • 8d9g5hwkzu.pages.dev/231

    • karya seorang seniman yang paling bermutu biasa disebut